当你想到日本时，你会想到什么？它很可能是优雅和精致的东西，也许是一件绣得很漂亮的和服，或者是从树上轻轻落下的樱花，背景是富士山。不管它是什么，它很可能不是有史以来最残酷、最暴力、最疯狂的音乐流派。但日本当然是日本风的发源地。作为“日本”和“噪音”的一个明显的合成词，理解这一流派的关键就在标题中：噪音-纯粹的、血腥的、可怕的、疯狂的噪音-从损坏的电子产品中扼杀出来，尖叫的反馈，电动工具和极端的放大。这一切都是由一群怪胎和疯子组成的，他们看起来像是从伊藤顺治漫画或三池隆导演的恐怖片中走出来的。在极端音乐领域，就纯粹的极端音乐而言，没有多少东西能接近日本音乐，也许除了一些边缘金属区域(如磨心)或额外音调的强烈电子声音，这将BPM推高到1.5万到120万(是的，你没看错：每分钟120万次)。噪音音乐在日本音乐成为一种东西之前就已经存在了，但就像它以前无数次做过的那样–从汽车到动画–日本接受了一个外国想法，将其推到了极限，并加以完善。正如音乐作家保罗·赫加蒂所说：“只有在日本音乐…中出现了各种各样的噪音之后，谈论噪音音乐才有意义。随着日本噪音的大量增长，噪音音乐终于成为了一种流派。“通常完全没有旋律或结构的日本音乐被描述为一种完全与音乐对立的运动，甚至是音乐本身的终结。你的母亲可能甚至不会认为它是音乐–听起来既是身体上的，也是听觉上的。
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加州大学音乐系副教授、《日本：循环边缘的音乐》一书的作者大卫·诺瓦克说：“与噪音听众交谈时，我听到很多人描述这种感觉。当被问到“这段录音听起来怎么样？”时，人们会说出他们在听的时候的身体反应。“我感觉我的牙齿在嘎吱作响”；它们告诉我们，它们的身体对声音做出了一些反应。这更像是在描述被触电，而不是在与一件艺术品对话。“这种声音来自日本的朋克场景，并在20世纪80年代初至90年代中期与无能为力、C.和HijōKaidan等艺术家一起达到顶峰。它最著名的代表无疑是Merzrow和Hanatarash–但稍后会有更多内容。阅读下面这篇文章：好奇的峡谷：庆祝日本成立10周年的独特音乐运动噪音音乐的根源可以追溯到100多年前，基本上使它成为工业革命的副产品。它的基本思想最早形成于1913年意大利未来主义艺术家路易吉·鲁索洛写的《噪音艺术宣言》中，他说：“古代生活完全是沉默的。19世纪，随着机器的发明，噪音诞生了。今天，噪音战胜了人类的感性。“在这一过程中，超现实主义先驱达达主义者(最著名的是他们1919年在柏林举行的反交响音乐会)、20世纪40年代在法国开始使用已发现声音的木乃伊混凝土运动、20世纪50年代末日本声音艺术团体Ongaku以及60年代美国革命性的Flosus艺术家进行了关于噪音的实验，其中著名的成员包括小野洋子。但噪音音乐的突破性时刻发生在1975年，当时前地下天鹅绒乐队的主唱卢·里德发行了《金属机器音乐》。这张双专辑有超过100分钟的调制反馈和吉他效果，没有歌曲、旋律或传统结构，在发布三周后被严重愤怒的RCA唱片公司下架。
目前尚不清楚里德是否在对音乐行业开一个精心的玩笑，是否他试图避免为RCA制作更多专辑，或者他是否真的是认真的，但无论是什么，“金属机器音乐”很快就会影响日本化运动。在日本，朋克音乐在20世纪70年代末开始瓦解，并以更加无政府主义的方式发展，喧闹的导演主要归功于Hijôkaidan–被广泛认为是第一支真正的日本乐队。Hijôkaidan最初是一支相当传统的朋克乐队，受到了70年代工业和前卫场景的影响，在他们的音乐中注入了刺耳的噪音，并发展了一场暴力、对抗性的舞台表演，很快成为该类型的标志。
80年代初，Hijokaidan的第一张唱片落入了一位名叫秋田正美的东京男子手中，他已经被里德的“金属机器音乐”迷住了。这些综合影响启发他开始创作音乐，他的第一张唱片于1981年发行，标题为“Metal Acoustic Music”。这张专辑已载入史册，成为这位艺术家Merzbow发行的400张专辑中的第一张。
梅兹堡有着强烈的个性，对日本人的奴役表现出明显的兴趣，并坚信“不惜一切必要”地解放动物。他被认为是日本人的教父，也是有史以来最多产的艺术家之一。艺术杂志LightWorks在1985年这样描述他的声音：“想象自己被包围在炎热、熔化的电子/工业噪音…中刺耳的边缘被深沉的低音淹没。它倾泻而出，进入你的内心……这首音乐可能是你在航天飞机升空三秒钟后的感受。在他的400多张专辑中，Merzrow的刺耳、对抗性的噪音探索了各种细微差别，包括相对容易接近的基于无人机的环境作品(《Vibrance》)，以及可以为世界末日配乐的专辑(《Venerology》)。但可以说，他最著名的专辑是1996年发行的极端专辑《Pulse Demon》–76分钟的纯净、无拘无束的白噪音，掌握在最大水平上，一位听众称其为“就像被点燃”。
1984年，Merzbow发行了一张分体磁带，其中收录了一些吵闹的新人，名叫Yamantaka Eye和Tabata Mitsuru，他们最终在纯粹的极端方面超越了他。最初以乐队名称The Hanatarashi录制（在日语中的意思是“鼻涕虫”或“嗅探者”），他们很快就更名为Hanatarash –这个名字现在作为有史以来最危险的乐队铭刻在音乐史上。
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Hanatarash于1982年在大阪成立，当时Eye和Tabata在德国工业音乐先驱Einstürzende Neubauten的一场日本音乐会上担任舞台工作人员。和Merzrow一样，Hanatarash乐队的成员在20世纪70年代末一直处于日本朋克运动的边缘，但他们觉得现场已经失去了优势。他们决定的前进道路是将朋克的能量和强度与Neubauten的破坏性和工业表演艺术结合起来，并将一切调到11岁及以上。他们80年代初的录音–想象尖叫的反馈、脉动的声音、无调的电子设备和经过精心处理的人声–夸张地夸张，但仍然没有捕捉到他们现场表演中纯粹、暴力的疯狂。巨大的玻璃片经常被扔进人群，砸到观众的头上。有一次，Eye带着一只死猫上台，用砍刀把它切成了两半。在一次演出中，他背上绑着一把放大的电锯出来，当腿松动并切开他的肉时，他差点砍掉了腿。
到了1985年，观众在进入花塔拉的现场表演之前必须签署豁免书，粉丝们预计会出现一定程度的混乱-但那年在东京Super Loft场地举行的一场演出比任何人都预想的要严重。演出中途，Eye离开舞台，走到外面启动了一台Komatsu挖掘机，将其驶过场馆后墙并登上舞台，他用巨大的重型机械尽可能地破坏了场地，最后拿出了一支燃烧弹，打算将俱乐部夷为平地。
在这一点上，即使是他们的粉丝也受够了。观众的眼睛受到了身体的限制，演出被叫停，Hanatarash被禁止在日本现场表演。没有人被杀是一个奇迹。上世纪90年代中期，在Eye承诺守规矩之后，Hanatarash才被允许重返日本的现场表演。但在那场舞台表演中，Hanatarash项目–以及作为一个整体的日本化–正在衰落，Eye和Tabata更专注于他们的下一支乐队。Boredon一开始是一支刺耳、不和谐的噪音摇滚乐队，甚至与另类摇滚巨头Sonic Young和Nirvana一起巡回演出，但随着时间的推移，他们随着短途旅行而成熟起来，进入了横扫电子音乐、迷幻太空摇滚和催眠部落打击乐表演。他们仍然被认为很活跃，但自2015年以来就没有现场表演过。除了另类摇滚乐，日本人也对电子音乐产生了重大影响，尽管许多人拒绝了他们是电子音乐家的想法。
诺瓦克指出，尽管在录音和现场表演中使用电子设备，但许多日本艺术家故意只对这项技术有了初步的了解，并没有真正感兴趣了解它是如何运作的;“技术普遍被认为是艺术必须抵制的非人化暴力的根源，即使人们不可避免地吸收了它的影响。”如今，在所有经典的日本音乐艺术家中，只有Merzbow和Hijôkaidan继续发行音乐，但该运动的影响仍然存在，特别是在工业技术、黑暗环境和电力电子等电子流派中。这些艺术家都不太可能摧毁他们正在玩的场地挖掘机，但日本化的影响将继续在子孙后代的耳膜中回响。亚当·赖特是一位自由音乐和娱乐作家。在Instagram上关注他。